在刚刚结束的2016春夏男装周的伸展台上，上演超现实梦境的Vivienne Westwood、主打未来牌的Diesel Black Gold、坚持解构重组的Martin Margiela……都在这一季将20世纪各个现代艺术流派诠释的淋淋尽致，它们或惊世骇俗，或乖张戏谑。大师存在的意义就在于展示超前的理念以引领方向，在看似实用主义的时装设计上，设计师可以将艺术形而上地凌驾于时装本身，最终又务实的回归穿着本质。这场华丽的视觉盛宴过后，带给我们的是更多的欢愉与尽情尽性。
1909年由意大利作家Malineidi倡始，认为未来的艺术应具有“现代感觉”并主张表现艺术家进行创作时的所谓“心境的并发性”，涵盖文学、绘画、建筑、设计等领域。
时装向来是社会变革的一个缩影，当二战后出生的“新世代”对世界提出了新的要求，未来主义的新时装风格大行其道也就不足为奇了。作为“否定一切”的未来主义，反对传统，歌颂年轻、速度、力量和技术，在信息化日趋成熟的今日也是应运而生。Diesel Black Gold将René Magritte颇有未来之感的超现实银色空洞用通身的金属科技面料来诠释，衍缝的基本款连帽通勤夹克立刻时髦感升级；在肩章logo街头元素的掩饰下，Topman Design本季也能看到些许未来主义的踪迹，大量高饱和度渐变图案的运用与Dali在1926年绘制的光影渐变作品如出一辙，体现了未来主义表现运动轨迹的特点。
1920年始于法国的文学艺术流派，源于达达主义，主张放弃逻辑，以所谓“超现实”、“超理智”的梦境、幻觉等作为艺术创作的源泉，并且对于视觉艺术影响深远。
自超现实主义诞生起，它就没有离开过时尚界，而超现实主义与时装的完美邂逅，所产生出的奇妙关联令一大批设计师趋之若鹜。在过去，Elsa Schiaparelli用Dali的龙虾装点自己的裙摆，Man Ray的摄影至今影响着Stephen Jones的帽饰设计。如果说J.W.Anderson将数码时代的超现实艺术家John Baldessari的摄影作品印制在胸前稍显保守，那么Vivienne Westwood本季对于超现实主义的运用简直大胆巧妙。裸露的女性胸部被制成包袋挂在模特胸前形成强烈的戏谑形式感，倒是再向René Magritte致敬，没有比这更纯粹的视觉表达了。
20世纪初自德国兴起，与法国的野兽派几乎同时出现。在作品中，艺术家着重表达内心的情感，尤其是恐惧，焦虑等负面情感，对现实往往扭曲和抽象化。
表现主义既可能像野兽派运用奔放的色彩，也可能在抽象主义的范畴纯粹运用色块与线条。和画家们一样的是，时装设计师们以布代画也通过色彩与图案来寻找情感的宣泄口，最终的成衣也将是个人写照的最好说明。2016春夏的Walter Van Beirendonck将昔日古怪的棱角和诡异廓型小心翼翼地收好，取而代之的是童心未泯的幼年梦想，大面积的卡通印花也如Jörg Immendorff的代表作“德国咖啡馆系列-永恒的怀念”般具有了成年人的光怪陆离。像极了Van Gogh充满焦虑、极端笔触的动植物手绘印花图案在各钟明亮色彩的庇护下充斥Issey Miyake的秀场。
1919年，Walter Gropius创建魏玛包豪斯大学（Bauhaus-Universität Weimar），从学院走出的建筑风格，不仅标志着现代艺术的诞生，更超越了建筑的范畴。
“完整的建筑物是视觉艺术的最终目标。艺术家最崇高的职责是美化建筑。” Walter Gropius在《包豪斯宣言》中宣誓道。包豪斯风格取之不尽的艺术芳华让设计师在取材时有了更多选择，同样是以美学原理为基准，时装与建筑的共鸣不谋而合。1925年，Marcel Lajos Breuer设计了世界上第一把颇具建筑感的钢管皮革椅，和谐的几何结构与色彩也出现在了本季的Neil Barrett，“少即是多”的设计要素用最简单的廓形道出了细致的工艺。而Rick Owens则将这种简洁抽象地做了区域分割，像是Joost Schmidt1923年为包豪斯在魏玛的“艺术与技术” 展览设计的招贴海报一般。
流行于20世纪50年代的抽象艺术流派，主张只使用极少的色彩和形象，与其他抽象艺术的区别在于，极少主义的作品不再是情感和思想的载体，它传达的是纯粹的形式、纯粹的媒介。
纯粹与本质是我们经常提及的词汇，任何人都愿意走捷径地一目了然到最真实、最近距离的感触，为此势必要做出相应的舍弃。而没有了强烈的欲望与激情，淡泊明静也就随之产生，呈现在面前的也将是绝对的理性。新任设计师Rodolfo Paglialung用简化到几尽几何个体来讲述Jil Sander式的理性，而这样的冷静却有一种犹如Kasimir Severinovich Malevich白底黑色方块的压迫感和焦虑感，似乎又有着至上主义的意味，所有语义性及描述性的成份都不见了。Calvin Klein则企图通过拉链这样的装饰消除眼下的不安，但仍不失和巴塞罗那椅一样的隽永经典。
1967年由解构主义领袖雅克•德里达提出。建于1987年的拉•维莱特公园（Parc de la Villette）掀起了解构主义的浪潮。
20世纪80年代初，川久保玲带着宽松、破碎、不对称的日本美学轰动了整个巴黎，掀起的解构主义浪潮带动出一大批新锐设计师。解构主义服装表面上看起来十分零乱，好像是将诸多元素进行荒诞的组合与随意的堆砌，但实质上却对服装的外在形态和内在结构等因素进行了高度理性化思考，进行重组并二次再造。2016春夏的Hood By Air和Martin Margiela像原子爆炸一样的支离破碎，被重新组装的机车夹克饰和分不清廓形的下装很快便转换为立体剪裁，任何传统都在这里被打破，你就像是一股脑的栽进了滚筒洗衣机里。
20世纪50年代初萌发于英国，却在50年代中期鼎盛于美国。作为一种流行文化，在美国现代文明的影响下成为了一种国际性艺术运动。
说起波普艺术，就不得不提到Andy Warhol。“我认为每个人都应该是一部机器，每个人都应该和另一个人一模一样。”这也许是Warhol对波普下的最好定义。作为艺术的一种呈现方式，波普早已涵盖于我们生活中的方方面面，尤其在时尚界被玩到风生水起，这也应证了沃霍尔的另一金句：“我真的想要活在未来。” 2016春夏的Dries Van Noten男装秀场我们又见到了满眼的梦露头像，高饱和度艳丽色彩点缀式的贯穿新一季Prada。当年Andy Warhol那窄身西装搭配衬衫及条纹领带的造型，以及百穿不厌的 Levi’s 牛仔裤，到如今，依旧是最时髦的装扮，而Warhol带给我们的远远不止这些。
象征海洋的条纹在本季Alexander McQueen男装中又多了一层欧普艺术的气质，尽管Sarah Burton此次设定下了航海主题，在军款夹克与印花外套间穿插的条纹不自觉地形成了摩尔波纹，很难不让人联想到Bridget Riley各式迷幻效果的欧普艺术图案，恰好也能看出本季Alexander McQueen力求技艺精准的野心。而James Long则通过强烈的彩色视觉差营造出活力与力量，不仅是色彩的力量，更是设计所创造出的魔力。这样变幻无常的视觉印象所带来的新奇感是直观的、鼓舞人心的。无论是均匀的等距排列亦或分割组合，每一种层次感都将整体造型塑造的极致。
